PEINTURE ANCIENNE
 

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Ecole flamande du XVIIIe siècle. Scène vivante et animée, qui met en scène une fête populaire de la commune : un groupe d'hommes et de femmes devant l'auberge de la ville, reconnaissable au panneau, danse accompagné des musiciens à gauche, tandis que les gens autour observent, boivent et discutent. . Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré d'époque.

Huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. La scène représente le moment où une élégante jeune femme arrive sur le lieu d'une fête en plein air : elle descend de sa voiture de campagne, tirée par des chiens, vaillamment aidée par un jeune monsieur. Autour d'elle, la servante, toujours sur le carrosse, tenant le parasol, les autres jeunes filles de son entourage et l'aubergiste qui accueillent la dame, et s'apprêtent à monter le banquet avec les vivres contenus dans le panier. Les couleurs vives des personnages animent l'environnement rural, tandis que la robe blanche du protagoniste se démarque et illumine la scène. Le tableau, sur la première toile, présente des traces de restauration et de petites gouttes de couleur. Il est présenté dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit du portrait d'homme en armure, accompagné de l'inscription « Paulus Maria Castellanus LT Gare » en haut à droite. Le mot Castellanus pourrait être le nom de famille, très répandu et identifiant l'habitant d'un château, pas nécessairement le seigneur mais un membre de la famille. Le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. L'épisode sanglant du sacrifice d'Iphigénie, également raconté dans l'Iliade, trouve son origine dans la colère d'Artémis, déesse de la chasse, qui, offensée par Agamemnon pour ses vantardises de chasseur, empêcha la flotte grecque de mettre le cap sur Troie ; le devin Calchas prophétise alors que la colère de la déesse ne peut être apaisée qu'en sacrifiant la plus jeune fille du roi Agamemnon lui-même, Iphigénie, et c'est ce qui arrive. Au centre de la scène, la jeune fille est représentée prosternée au pied de l'autel sacrificiel, alors qu'elle est préparée par les prêtres selon les rituels ; dans le coin gauche, on aperçoit son père Agamemnon (avec la couronne abandonnée à ses pieds) avec sa mère Clytemnestre qui, désespérée, n'ose pas regarder. Ci-dessus, la déesse Artémis assiste à la scène, reconnaissable à la lune dans ses cheveux, à l'arc à la main et à un cerf, son animal symbolique, au pied du dais : selon une version moins violente du mythe, à au moment du sacrifice Iphigénie elle est remplacée par Artémis avec une biche, comme pourrait l'indiquer la présence de l'animal dans cette représentation. L'œuvre présentée ici dérive du tableau de Pietro Testa, publié entre 1640 et 1642 (aujourd'hui à la Galleria Spada de Rome) et de ses gravures : toute la composition des personnages en est tirée, bien que modifiée dans les vêtements, les couleurs et dans divers détails. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Dans la mythologie classique, la déesse Vénus, épouse de Vulcain, lui fit forger des armes pour son fils Énée. Dans la scène, qui se déroule dans la grotte où se trouve la forge, Vulcain est en effet en train de forger une armure sur l'enclume, avec l'aide de ses assistants, tandis que Vénus, accompagnée de son fidèle Amour, arrive pour vérifier le travail. Thétis, la nymphe marine mère d'Achille, a également commandé des armes pour son fils au même dieu Vulcain, afin de le protéger pendant la guerre de Troie. Restauré et rentoilé, le tableau présente une perte de couleur en haut à droite. Il est présenté dans un cadre du début du XXème siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. Le portrait d'un gentilhomme est accompagné de l'inscription « Paulus Castellanus Sanator » en haut à gauche. Le mot Castellanus pourrait être le nom de famille, très répandu et identifiant l'habitant d'un château, pas nécessairement le seigneur mais un membre de la famille. Le terme Sanator identifie l'homme comme un guérisseur, le médecin de famille. Le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Le sujet représenté raconte un épisode biblique de l'Ancien Testament : Suzanne, la belle et chaste épouse de Joachim, un riche juif, est menacée par deux juges du peuple âgés alors qu'elle prend un bain dans son jardin. Cet épisode a été largement reproduit dans l'art, comme occasion d'exaltation de la beauté féminine et de condamnation de la volupté pécheresse. Dans la scène, la figure féminine de Suzanne, légèrement vêtue, est assise au premier plan à gauche, sur la balustrade d'une fontaine jaillissante du jardin, bien décidée à y plonger, mais désignant de la main les deux vieillards de droite, qui, cachés derrière un buisson, l'épient. Inhabituelle dans la scène, la figure de l'autre femme, probablement une servante de Susanna, également légèrement vêtue, probablement introduite pour exalter davantage la nudité féminine. Le jardin de la villa apparaît en arrière-plan, caractérisé par des parterres de fleurs symétriques et réguliers. Autre particularité, la présence, au loin, derrière la tête de Susanna, de trois figurines stylisées, qui semblent courir vers elle, peut-être pour l'avertir du danger. L'œuvre, sur la première toile, présente une légère fissure en haut à gauche, et des taches de peinture ponctuelles. Il est présenté dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Saint Joseph est représenté avec l'Enfant Jésus dans ses bras, et de l'autre main il tient le bâton fleuri surmonté d'un lys, symbole de sa pureté. Restauré et regarni, il est présenté dans un cadre antique réutilisé.

École flamande du XVIIème siècle. Huile sur panneau. La sainte pénitente est reconnaissable à ses attributs, le pot d'onguents, le livre et le crâne. Signé en bas à gauche "VD Werff". Cachet de cire d'exportation XIXème au dos. Il y a des fissures longitudinales dans le tableau. Présenté dans un cadre doré fin 19ème siècle

Huile sur toile. Le protagoniste central de la scène est le dieu Bacchus, avec sa tête entourée d'une couronne de vigne, partiellement recouverte d'un tissu rouge, d'une main il tient une lance fleurie, de l'autre il tient une grappe de raisin au-dessus du ciel. mâchoires d'un chien sauvage, étendu à terre devant lui, avec un Amour qui, assis sur son ventre, lui tient le museau ouvert. En arrière-plan un paysage teinté des lumières rougeâtres d’un coucher de soleil. Le tableau a été restauré et rentoilé à la fin du XIXe siècle, et présenté dans un cadre de la même époque.

Huile sur toile. Le tableau s'inspire de l'œuvre similaire de Paolo Véronèse (1528-1588), datant d'environ 1560-70 et aujourd'hui conservée au musée du Prado, dont notre tableau reprend la composition des personnages, en changeant tout le fond et les vêtements. des personnages. L'œuvre de Véronèse connut un tel succès qu'elle fut reproduite par son propre atelier, avec de nombreuses variantes : notre œuvre dérive probablement d'une de ces copies, répliquée plus tard. L'épisode représenté est raconté dans le livre biblique de l'Exode et raconte la découverte du petit Moïse, laissé par sa mère dans un panier au bord du Nil, pour le sauver du massacre des enfants d'Israël perpétré par Pharaon ; La fille du Pharaon, partie au fleuve avec sa suite, le retrouve et le sauve en l'adoptant. Les personnages de la scène sont représentés dans des vêtements du XVIIIe siècle, en particulier la robe de la princesse se distingue par sa richesse et sa somptuosité ; le seul élément exotique est la présence d'un serviteur noir dans la suite, tandis que l'arrière-plan fait également référence à un paysage du nord de l'Europe, avec une épaisse végétation boisée. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du XIe siècle.

Huile sur toile. École hollandaise de la fin du XVIIIe-début du XIXe siècle. Au dos du cadre, une écriture du début des années 1900 intitulée "Le Docteur, d'après le sujet de Bega", faisant référence au peintre hollandais Cornelis Bega (1620 - 1664) qui se distinguait par ses scènes de genre, généralement d'intérieur et de goût populaire. On voit ici l'intérieur d'une maison dans laquelle une femme soigne la blessure à la jambe d'un homme, aidée par sa petite fille et la vieille femme curieuse. L'œuvre est présentée dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Première toile et montée sur châssis d'origine. Située dans une prison, la scène présente Saint Ambroise, l'évêque qui dirige vers le ciel celui qui se trouve à sa droite, un soldat avec la Croix autour du cou, identifiable comme Saint Victor, un soldat romain originaire de Mauritanie, qui a servi à Milan au époque de Maximien et qui fut martyrisé pour sa foi chrétienne. C'est l'évêque milanais qui a raconté la vie et le martyre du saint dans un de ses écrits et qui a diffusé son culte. A gauche un autre martyr probable de la foi, qui assiste à la proclamation de béatitude de son compagnon de cellule ; autour, de nombreuses autres figures de condamnés. Le tableau octogonal appartient probablement à une série dédiée au culte du Saint Évêque de Milan. La toile est à restaurer et à nettoyer, présentant plusieurs taches et coupures (une déchirure au centre, d'autres mineures sur les côtés).